Egon Schiele, uno degli esponenti più influenti dell’Espressionismo austriaco, ha creato il “Doppio autoritratto” nel 1915, un’opera che riflette molte delle tematiche centrali della sua produzione artistica: l’introspezione psicologica, il tormento interiore e il rapporto tra identità e corpo. Quest’opera, composta con acquerello e matita su carta, è attualmente custodita al Leopold Museum di Vienna e rappresenta uno dei lavori più iconici dell’artista, noto per la sua visione radicale e innovativa.
Egon Schiele e il suo “Doppio Autoritratto”
Analisi dell’opera
Per comprendere appieno il significato di questo “Doppio autoritratto”, è essenziale collocarlo nel contesto storico e personale in cui Schiele operava. L’anno 1915 è cruciale nella vita dell’artista, poiché coincide con il suo matrimonio con Edith Harms e con la chiamata alle armi per la Prima Guerra Mondiale. L’Europa stava vivendo un periodo di grande instabilità politica e sociale, un’atmosfera di ansia e disperazione che permeava anche la vita privata dell’artista. Questo periodo storico, intriso di sofferenza e incertezze, si riflette nella produzione di Schiele, che nei suoi autoritratti esplora temi quali la mortalità, l’identità e la tensione tra vita e morte.
Schiele è noto per aver realizzato numerosi autoritratti durante la sua carriera, un modo per esplorare sé stesso e il suo rapporto con il mondo circostante. Il “Doppio autoritratto” è particolarmente significativo perché rappresenta una frattura interna nell’identità dell’artista, divisa tra due volti distinti ma collegati, che sembrano suggerire una sorta di dualità o conflitto interiore.
Il “Doppio autoritratto” è un esempio lampante della capacità di Schiele di esprimere sentimenti complessi attraverso una rappresentazione stilizzata e distorta del corpo umano. L’opera ritrae due volti, probabilmente entrambi autoritratti dell’artista, con espressioni diverse e un’intensità che sembra quasi ossessiva. La testa superiore è inclinata, con un’espressione quasi alienata, gli occhi spalancati e il viso pallido, mentre il volto inferiore ha una postura più rigida e lo sguardo fisso e penetrante, come se stesse scrutando direttamente lo spettatore.
La scelta di rappresentare due volti nello stesso quadro può essere interpretata in diversi modi. Da un lato, potrebbe rappresentare una scissione interna, la divisione tra due aspetti contrastanti della personalità dell’artista: uno più vulnerabile e tormentato, l’altro più rigido e freddo, quasi minaccioso. Questo dualismo è ricorrente nelle opere di Schiele, che spesso esplorava la contraddizione tra l’apparenza esteriore e la complessità interiore. L’uso della matita e dell’acquerello, con tratti rapidi e decisi, conferisce all’opera un senso di urgenza e intensità, tipico del linguaggio visivo di Schiele.
Il corpo come veicolo espressivo
Uno degli elementi distintivi del lavoro di Schiele è l’uso del corpo umano come veicolo espressivo, spesso rappresentato in modo distorto e non convenzionale. Nei suoi autoritratti, Schiele non cerca di idealizzare il corpo o di ritrarlo in modo realistico, ma piuttosto lo usa come mezzo per esprimere emozioni profonde e angosciose. I suoi corpi sono spesso emaciati, angolari, e presentano un aspetto scheletrico che riflette una vulnerabilità fisica e psicologica.
Nel “Doppio autoritratto”, questa distorsione è evidente nelle linee spezzate che delineano i volti, con tratti che suggeriscono una fragilità sia fisica che emotiva. Schiele esplora la tensione tra l’identità esterna e quella interna, suggerendo che il volto che mostriamo al mondo può essere in contrasto con quello che realmente proviamo. Questo senso di alienazione e di dissociazione dall’io è un tema centrale nell’opera di Schiele, che vedeva il corpo come un involucro fragile, incapace di contenere pienamente l’intensità dell’esperienza umana.
Il concetto di dualità è un tema ricorrente nell’arte di Schiele, e il “Doppio autoritratto” ne è una chiara espressione. La divisione in due volti potrebbe alludere alla lotta interiore dell’artista tra la vita e la morte, tra l’amore e la guerra, tra l’io pubblico e l’io privato. In un periodo storico segnato dalla guerra e dall’incertezza, Schiele sembra riflettere sulle contraddizioni della condizione umana, cercando di catturare il senso di divisione e frammentazione che caratterizzava non solo la sua vita personale, ma anche il mondo circostante.
La guerra ha giocato un ruolo importante nel plasmare l’arte di Schiele, che si trovava a dover conciliare il desiderio di continuare a creare con l’obbligo di servire il suo paese. Il “Doppio autoritratto” può essere visto come un commento su questa tensione tra l’artista e il soldato, tra la vita creativa e la realtà brutale della guerra.
Il “Doppio autoritratto” di Egon Schiele è un’opera straordinaria che rivela la profondità psicologica e la complessità emotiva dell’artista. Attraverso la rappresentazione di due volti, Schiele esplora i temi della dualità, della frammentazione dell’identità e del conflitto interiore, utilizzando il corpo come veicolo espressivo per trasmettere il suo senso di alienazione e tormento. Quest’opera, come molte altre di Schiele, è una testimonianza della sua capacità di scavare nelle profondità dell’animo umano, rivelando le contraddizioni e le sofferenze che caratterizzano la condizione esistenziale.
