Cosa c’è di meglio di un buon libro per accompagnare le giornate estive? Che tu sia in spiaggia, in montagna o sul balcone di casa con una granita alla mano, l’estate è il momento perfetto per lasciarsi trasportare altrove: tra saghe fantasy, gialli da risolvere sotto l’ombrellone, ricettari che sanno di dolci fatti in casa (perché si sa, ci piace portare qualche manicaretto in spiaggia o cucinare cose buone e sfiziose a cena, nelle case vacanza) e romanzi che profumano di storia, amore e libertà.
In questa lista abbiamo voluto condividere 14 titoli diversissimi tra loro, dai classici che sorprendono, ai romanzi freschi di stampa, passando per saggi, thriller creativi e favole moderne, ma tutti accomunati da una sola missione: farti staccare la spina, almeno per qualche ora.
14 libri, letture fresche e appassionanti per un’estate tutta da sfogliare
Non importa se stai cercando una storia d’amore tormentata, una risata intelligente, un mistero da decifrare o una ricetta da sperimentare, c’è sicuramente un libro in questa lista che farà al caso tuo. Perché leggere d’estate non è solo passatempo: è rigenerazione, fuga, risata, riflessione. È un modo per concedersi tempo, per sé e per il mondo immaginato dagli altri. Qualunque sia la tua meta estiva, porta con te almeno uno di questi libri: non occupano spazio in valigia, ma sanno riempirti di storie che resteranno ben oltre settembre.
Dietro le quinte di Roy Fuller
Ambientato in una Londra ancora offuscata dal dopoguerra, Dietro le quinte è un romanzo che sorprende il lettore con la sua capacità di fondere introspezione psicologica, eleganza letteraria e tensione narrativa.
Protagonista indiscusso è George Garner, uno scrittore di mezza età divorziato, che si muove tra le ombre lunghe della sua ambizione frustrata e la tiepida luce di una routine intellettuale fatta di libri, corrispondenze e sogni non realizzati.
George è il tipico “uomo d’altri tempi”: colto, ironico, solitario, con una certa pigrizia esistenziale che lo porta a galleggiare in una vita che gli sta lentamente scivolando tra le dita.
Il suo lavoro in una casa editrice senza grandi prospettive lo mantiene in equilibrio tra dignità e rassegnazione, mentre la letteratura diventa per lui una sorta di rifugio estetico: Graham Greene come bussola morale e narrativa, Charles Dickens come compagno fedele dei suoi tragitti quotidiani.
Il mondo di George è fatto di parole e citazioni, ma ciò che manca è un vero contatto con il presente, con il corpo, con l’urgenza dell’azione.
Tutto cambia quando riceve la proposta, inattesa e lusinghiera, di dirigere una rivista letteraria. È il tipo di opportunità che potrebbe scuotere un uomo come lui dal torpore, e infatti George si getta con entusiasmo in questo nuovo progetto, immaginandolo come il punto di svolta della sua carriera e, forse, della sua vita.
Tuttavia, l’euforia dura poco. La realtà bussa con forza sotto forma di una lettera: è la sorella del suo vecchio amico William Widgery, l’unico confidente vero che George abbia mai avuto, che gli scrive, angosciata per la misteriosa scomparsa del fratello. Il tono cambia. Da romanzo intimista con sfumature eleganti, la storia si tinge progressivamente di giallo e poi di nero.
George, dapprima riluttante, accetta di aiutare, in nome di un’amicizia coltivata per anni a distanza, fatta di lettere e ricordi condivisi. Ma ciò che scopre lo trascina in una spirale oscura di manipolazioni, interessi politici e violenza strisciante. Il protagonista, così distante dai cliché dell’eroe d’azione, si ritrova a fronteggiare una realtà brutale, lontanissima dalla compostezza del suo mondo letterario.
Il grande merito del romanzo sta proprio in questo contrasto: George è un uomo che vive di parole, ma deve imparare a difendersi con i fatti. La sua goffaggine, la sua lentezza nel comprendere le dinamiche umane, diventano i suoi principali ostacoli, ma anche la fonte di un’ironia amara che accompagna il lettore pagina dopo pagina.
Lo stile è raffinato, a tratti old-fashioned, perfettamente in linea con l’atmosfera londinese post-bellica, fatta di nebbie, tè fumanti, redazioni polverose e silenzi pieni di tensione.
Il mistero della scomparsa di William si rivela essere molto più complesso di quanto George (e il lettore) potesse immaginare. Senza scadere mai nel sensazionalismo, l’autore costruisce una trama che esplora le sfumature del potere, della paranoia e del tradimento, in un’epoca in cui la Guerra Fredda cominciava a far sentire il proprio peso anche sulla cultura.
George diventa una pedina involontaria in una partita in cui idealismo e compromesso si scontrano con brutale realismo, e la sua ingenuità lo rende vulnerabile, ma anche paradossalmente umano. questo romanzo è un viaggio affascinante nei meandri della mente di un intellettuale apparentemente fuori dal tempo, costretto a confrontarsi con un mondo che ha smesso da tempo di essere gentile.
La scrittura, limpida e cesellata, riesce a restituire tutta la malinconia di una Londra grigia e letteraria, ma anche il brivido crescente di una verità pericolosa che emerge poco a poco. Dietro le quinte è un libro che piacerà a chi ama i romanzi letterari con una tensione da thriller psicologico, dove la bellezza della prosa convive con l’angoscia dell’imprevisto.
Pasticceria in Pillole di Silvia Federica Boldetti
Silvia Federica Boldetti, pluripremiata pastry chef e volto noto del web grazie alla sua pagina Instagram Pasticceria in pillole, firma un volume capace di colmare un vuoto editoriale nel mondo della pasticceria casalinga e professionale.
Pasticceria in pillole non è un semplice ricettario, ma un vero e proprio manuale tecnico e divulgativo, pensato per chi vuole capire il perché dietro a ogni impasto, montata o emulsione.
Il punto di forza del libro è proprio l’unione tra metodo scientifico e passione artigiana: perché creare un dolce perfetto è prima di tutto una questione di equilibrio, chimica e attenzione al dettaglio.
Boldetti accompagna il lettore attraverso le fondamenta della pasticceria con un approccio estremamente accessibile, ma mai banale. Il testo parte da basi solide come le masse montate (pan di Spagna, biscuit, cake), le frolle, le meringhe, la pasta choux e sfoglia, per poi proseguire verso preparazioni più complesse come le creme, le glasse e le decorazioni, il tutto illustrato da fotografie esplicative e con una grafica limpida e ordinata.
Ogni capitolo è strutturato in modo da offrire una panoramica teorica seguita da esempi pratici: ricette, consigli, varianti e soprattutto indicazioni preziose per comprendere gli errori più comuni e imparare a correggerli. Tra le pagine si respira la competenza e l’entusiasmo dell’autrice, che riesce a coniugare rigore tecnico e chiarezza espositiva con una narrazione coinvolgente. Non si limita a dire “fai così”, ma spiega cosa accade all’interno dell’impasto, perché una determinata temperatura è fondamentale o in che modo si può equilibrare la struttura di una crema.
Questo fa sì che il lettore non sia un semplice esecutore, ma venga formato a ragionare come un vero pastry chef. Un altro merito del volume è quello di sfatare il mito del “dolce perfetto” come frutto di talento innato: Pasticceria in pillole dimostra che con il metodo giusto, una buona dose di pratica e la conoscenza delle tecniche fondamentali, anche una cucina domestica può diventare un laboratorio di alta pasticceria.
In definitiva, si tratta di un libro irrinunciabile per chi ama i dolci non solo da gustare, ma anche da capire. Un ponte tra la scienza degli alimenti e la creatività, tra la cucina casalinga e la pasticceria d’eccellenza.
Silvia Federica Boldetti firma un’opera utile, ricca e stimolante, che non si limita a insegnare come si fa , ma invita a pensare, sperimentare, imparare dagli errori e crescere dolce dopo dolce.
Consigliato a: aspiranti pasticceri, appassionati di dolci, studenti di cucina, autodidatti perfezionisti e a chiunque voglia finalmente capire cosa rende un dolce davvero indimenticabile.
Critica della proprietà e dello stato di P.J.Proudhon
Pierre-Joseph Proudhon è una figura che ha attraversato la storia del pensiero politico come una scheggia impazzita, difficile da classificare, eppure impossibile da ignorare.
Con la sua celebre affermazione: «La proprietà è un furto!» ha scolpito nella memoria collettiva una delle più potenti provocazioni dell’Ottocento politico e sociale.
Ma ridurre Proudhon a un semplice slogan sarebbe ingiusto e fuorviante. È proprio per questo che questa antologia, pubblicata da Elèuthera, si rivela preziosa: raccoglie e riorganizza con cura alcuni dei nuclei concettuali più forti, contraddittori e, insieme, sorprendentemente attuali del pensiero proudhoniano.
La selezione dei testi non si limita a offrire un florilegio di citazioni ad effetto. Al contrario, si propone come una vera e propria guida all’interno dell’enorme produzione dell’autore francese, che spesso appare labirintica e perfino spiazzante, ma sempre coerente con una tensione fondamentale: quella verso una libertà radicale, non autoritaria, capace di mettere in crisi tanto il potere economico quanto quello statale.
Il lettore troverà qui le grandi direttrici che attraversano l’opera di Proudhon: il federalismo, inteso come alternativa concreta alla centralizzazione dello Stato moderno; l’autogestione, in cui il lavoro e la produzione diventano terreno di sperimentazione politica e cooperazione tra individui; e poi la sua originale dialettica degli opposti, che rigetta le soluzioni univoche e mette in crisi ogni sintesi facile.
La dimensione metodologica del suo pensiero: pluralista, dinamica, volutamente contraddittoria, non è un errore ma un principio attivo: per Proudhon, pensare significa confrontarsi con la tensione tra idee opposte, senza cedere alla comodità delle ideologie rigide.
Una delle qualità migliori del volume è quella di restituirci un Proudhon vivo, irriverente e lucido, al di là delle caricature che spesso lo hanno ridotto a un precursore marginale del socialismo o a un utopista fuori tempo. Al contrario, le sue riflessioni sulla decentralizzazione del potere, sulla giustizia come equilibrio dinamico tra individui liberi, e sul mutualismo come principio fondante della vita economica e sociale, risuonano oggi con una forza rinnovata.
In tempi in cui lo Stato si mostra tanto pervasivo quanto inefficace, e in cui le forme di organizzazione orizzontale riemergono in tutto il mondo, il pensiero proudhoniano torna utile per immaginare alternative.
L’introduzione e le note che accompagnano i testi offrono un valido aiuto per orientarsi tra i riferimenti storici, le dispute teoriche e i passaggi più densi. Chi non conosce l’autore potrà così approcciarsi gradualmente a un pensiero che si nutre di tensione, mentre chi lo ha già studiato troverà una selezione mirata e ragionata che evita i luoghi comuni e privilegia la complessità.
Proudhon. Antologia del pensiero anarchico e libertario è un testo fondamentale per chiunque voglia comprendere il pensiero libertario alle sue radici, fuori dagli stereotipi e dalle semplificazioni. Non si tratta di una semplice raccolta di frasi a effetto, ma di un percorso critico tra le idee di un pensatore che ha saputo vedere, con secoli d’anticipo, i limiti delle strutture statali, la necessità di nuove forme di giustizia sociale, e il potenziale rivoluzionario dell’organizzazione mutualistica.
Una lettura che può arricchire studenti, studiosi e lettori curiosi, ma anche attivisti e militanti in cerca di strumenti teorici per ripensare il presente. Il libro è consigliato a chi vuole avvicinarsi all’anarchismo da una prospettiva storica e teorica solida; chi è interessato ai fondamenti del pensiero federalista e autogestionario; chi cerca alternative ai modelli politici centralizzati e vuole riscoprire un classico dimenticato ma ancora incredibilmente fertile.
In cucina con la friggitrice ad aria – vol 2 di Benedetta Rossi
Questo libro lo puoi portare in spiaggia e poi dritto a casa con te, insieme alla fida friggitrice ad aria non ci saranno più momenti di estrema noia e preoccupazione su: “cosa cucino oggi”? Basta aprire il libro di Benedetta e tutto sembrerà più chiaro e finalmente riusciremo a rilassarci, ecco perché lo abbiamo inserito all’interno di questa lista. Ma di che cosa parla il libro nello specifico?
Benedetta torna in libreria con un nuovo ricettario pensato per chi ama la buona cucina ma vuole alleggerire la propria alimentazione senza rinunciare al gusto. 200 ricette leggere e veloci con la friggitrice ad aria è molto più di un semplice manuale: è una dichiarazione d’amore per uno stile di vita più sano, pratico e consapevole, costruito su abitudini sostenibili e intelligenti.
Il libro si presenta come un alleato quotidiano, ideale per chi ha poco tempo, ma non vuole scendere a compromessi con il sapore e la varietà dei piatti. Il vero protagonista è l’elettrodomestico più amato degli ultimi anni: la friggitrice ad aria.
Grazie alla sua tecnologia che sfrutta l’aria calda a circolazione rapida per dorare e cuocere gli alimenti, si riesce a ottenere la stessa croccantezza della frittura con il 70-90% di grassi in meno. Un cambiamento che non è solo tecnico, ma culturale: cucinare diventa più semplice, più leggero, più ecologico.
All’interno del volume troviamo 200 nuove ricette pensate per ogni momento della giornata: colazioni leggere ma nutrienti, antipasti sfiziosi, secondi piatti croccanti e gustosi, contorni saporiti, ma anche dolci golosi che non appesantiscono. Il tutto arricchito da decine di foto a colori, suggerimenti pratici, errori da evitare e varianti per personalizzare ogni piatto.
Benedetta riesce come sempre a parlare la lingua di tutti, rendendo accessibile anche a chi è alle prime armi il mondo della cucina leggera. Ma questo libro non si limita a elencare ricette: è un invito a vivere la cucina con leggerezza e gioia, senza cadere nei sensi di colpa o nelle rigidità da dieta.
Il messaggio è chiaro: si può mangiare bene, tenersi in forma e godersi ogni pasto con soddisfazione, se si conoscono gli strumenti giusti e si impara a cucinare con intelligenza. E la friggitrice ad aria, in questo percorso, si rivela un’alleata preziosa. Un altro punto di forza è la versatilità: ogni ricetta può essere facilmente adattata a esigenze diverse, vegetariane, gluten free, a basso contenuto calorico, grazie alla struttura chiara e all’approccio flessibile.
Inoltre, le indicazioni tecniche sono precise: temperature, tempi, suggerimenti per la preparazione e per la conservazione dei cibi sono tutti pensati per facilitare la vita di chi cucina. In sintesi è un libro completo, ben strutturato e ispirante. Perfetto per chi ha scelto di investire nella friggitrice ad aria e vuole esplorarne tutte le potenzialità, ma anche per chi cerca un modo concreto per rinnovare il proprio modo di mangiare, puntando su salute, semplicità e creatività.
Consigliato a chi ama cucinare con gusto ma vuole ridurre grassi e calorie; chi ha poco tempo ma non vuole rinunciare a pasti vari e sani; chi ha una friggitrice ad aria e vuole sfruttarla al massimo; chi è alla ricerca di uno stile alimentare equilibrato e sostenibile.
Il canto dell’usignolo di Lian Hearn
In un Giappone medievale immaginifico e profondamente evocativo, Il canto dell’usignolo apre le porte a un universo letterario che fonde con straordinaria abilità l’epica storica, la leggenda e il pathos della formazione individuale.
Primo volume della celebre saga Le Cronache dei Otori, il romanzo di Lian Hearn è un viaggio iniziatico, un racconto di sangue, onore, destino e amore che si muove sul filo teso tra il lirismo della cultura giapponese e la brutalità dei suoi codici feudali.
Al centro della narrazione c’è Takeo, ragazzo cresciuto in una comunità pacifista (ispirata ai martiri cristiani giapponesi) e improvvisamente strappato alla propria infanzia innocente da un massacro feroce. La sua gente viene sterminata dagli uomini di Iida Sadamu, signore del clan Tohan, e il giovane viene salvato da Shigeru, nobile guerriero degli Otori.
Ma non è un semplice atto di pietà: Shigeru ha intravisto qualcosa di più in lui, un’eredità oscura e potente che affonda le radici nella Tribu, un’antica stirpe di assassini e spie dai poteri sovrumani.
La bellezza del romanzo sta proprio nell’ambiguità di questo protagonista, che è tutto e niente allo stesso tempo: contadino, discepolo, assassino, figlio illegittimo, orfano salvato, erede di un dono pericoloso.
Il lettore lo segue in un percorso di formazione che lo porterà a dover scegliere tra vendetta e giustizia, tra lealtà e amore, tra il richiamo del sangue e la promessa della pace.
Il suo destino, come in ogni grande racconto epico, si scrive con il silenzio e il dolore. Il mondo costruito da Lian Hearn è al tempo stesso minuzioso e incantato. Non è il Giappone storico, ma una sua versione mitologizzata, che mantiene intatti i riferimenti ai samurai, ai codici di comportamento (il bushido), all’onore e all’inflessibilità delle caste, per poi immergerli in un’atmosfera sospesa, quasi da fiaba nera.
Lian Hearn ha uno stile raffinato, poetico e al tempo stesso tagliente. Le descrizioni della natura si intrecciano con le scene di battaglia, i dialoghi brevi nascondono mondi di significato, i gesti misurati diventano più eloquenti di mille parole. In questo universo in cui nulla è casuale, nemmeno l’amore, ogni parola è pensata per evocare l’equilibrio tra bellezza e morte, tra grazia e violenza. Un ruolo fondamentale lo gioca anche l’amore: quello per la giovane Kaede, nobile ostaggio tanto bella quanto prigioniera del suo stesso destino.
Un amore che non salva, ma costringe a scegliere. E che rende ancora più straziante la crescita di Takeo, diviso tra ciò che desidera e ciò che deve fare. In conclusione, Il canto dell’usignolo è un romanzo avvolgente, emozionante, intenso. Una storia che fonde leggenda e sentimento, guerra e interiorità, in un mondo costruito con sapienza narrativa e rispetto per la cultura che lo ispira.
Il lettore non si limita a leggere: ascolta i sussurri del vento, i canti degli usignoli e il rumore lieve dei passi nel buio. Un’opera perfetta per chi ama le saghe epiche, i personaggi sfaccettati e i racconti in cui l’azione si intreccia con la poesia. Lo consigliamo a chi ha amato Shōgun di James Clavell, chi cerca un fantasy storico con radici orientali e atmosfera da tragedia greca, e chi vuole una storia che parla di formazione e destino con voce antica ma emozioni modernissime.
Con La Fuliara, Anna Chisari prosegue il percorso narrativo iniziato con Il vento dell’Etna, ma lo fa scavando più in profondità, addentrandosi nella genesi oscura di un’anatema che si trasmette da madre a figlia come un’eredità indelebile.
Il romanzo è molto più di un prequel: è una storia potente di formazione, rabbia, sacrificio e amore materno, ambientata in una Sicilia di metà Ottocento in cui la superstizione è più forte della giustizia, e il silenzio delle donne è spesso l’unico modo per sopravvivere.
Al centro della narrazione c’è Veneranda Balsamo, conosciuta da tutti come Gnu Ranna, la rana, un soprannome che sa di scherno, paura e riverenza, e che la lega indissolubilmente alla figura della “strega”. Ma prima che diventasse il simbolo vivente della maledizione dei Baruneddu, Veneranda era solo una bambina affidata dal padre a una mavara, una sapiente donna di erbe e guarigioni, in un’epoca in cui le donne imparavano in silenzio, trasmettendosi conoscenze proibite da generazione in generazione.
In questo contesto, Chisari dà voce a un personaggio femminile straordinario, complesso, ferito ma non spezzato. Veneranda non è solo una guaritrice, è una testimone di come la saggezza delle donne venisse spesso ridotta a superstizione, di come l’indipendenza femminile facesse paura e venisse punita con l’isolamento, lo stigma, la violenza.
Nel retrobottega del padre, le donne andavano da lei in cerca di conforto, di un rimedio, di un rifugio, ma bastava un errore, un passo falso, un amore sbagliato, perché l’equilibrio precario si spezzasse. E infatti l’evento scatenante è ancora una volta il desiderio di libertà: quando la figlia di Veneranda fugge con un Baruneddu, l’uomo di quella famiglia maledetta che ha portato solo dolore, la donna capisce che non basta curare, bisogna proteggere.
Ed è allora che Veneranda smette di essere una mavara e diventa una strega. Il passaggio è simbolico e narrativo insieme: una trasformazione da donna di sapere a donna di potere, temuta e condannata, ma finalmente artefice del proprio destino. La sua maledizione non è solo una vendetta: è un grido di ribellione, un disperato tentativo di affermare sé stessa in un mondo che non lascia spazio alle madri, alle figlie, alle donne.
La scrittura di Anna Chisari è ricca, sensoriale, profondamente evocativa. Ogni pagina profuma di erbe macerate, polvere vulcanica, vento caldo e fiori notturni. L’ambientazione etnea, già cuore pulsante del romanzo precedente, diventa qui un personaggio vivo e inquieto: Belpasso non è solo un luogo, ma una gabbia, un teatro di destini incrociati, di segreti sussurrati e dolori taciuti.
E la lingua scelta dall’autrice, che mescola italiano e inflessioni dialettali con misura ed eleganza, restituisce con efficacia la voce delle donne del tempo, senza mai cedere al pittoresco. Uno dei meriti maggiori del romanzo è quello di mostrare come la violenza patriarcale non sia un incidente, ma un sistema: un veleno lento che si insinua nelle famiglie, nei detti popolari, nei giudizi sociali. “Nessun uomo sa rispettare un ‘no’ mormorato con paura”, scrive Chisari, ed è una frase che risuona come un pugno.
Ed è nella scelta di narrare, di dare voce a Veneranda e alle sue eredi, che il romanzo compie un atto di liberazione.
La Fuliara è un romanzo di potente intensità emotiva e simbolica, un affresco femminile e femminista che affonda le radici nella terra e nelle credenze, per raccontare una storia che parla di passato ma guarda dritta negli occhi il presente. Anna Chisari costruisce un personaggio indimenticabile, capace di incutere timore e generare empatia, e lo inserisce in una narrazione che mescola il realismo magico con il racconto sociale, la storia intima con la denuncia collettiva.
Consigliato a chi ha amato Ferite a morte di Serena Dandini, Accabadora di Michela Murgia, i romanzi di Mariolina Venezia e chi cerca una storia in cui le donne non sono più spettatrici del dolore, ma protagoniste della resistenza.
Una lettura che brucia come l’Etna e lascia una traccia indelebile.
Tokyo, agosto 1945. Il mondo sta per cambiare, ma per Keizo Kan, fisico brillante e uomo spezzato, la fine della guerra non coincide con la fine del dolore.
Daikon è un romanzo ucronico dalla potenza devastante, una narrazione che tiene il lettore incollato alle pagine non solo per la tensione crescente, ma per la profondità delle riflessioni che solleva.
In un Giappone distrutto, dove la cenere copre le strade e le anime, l’autore ci consegna una storia che è allo stesso tempo thriller storico, tragedia familiare, meditazione etica. Keizo Kan è un personaggio memorabile: brillante, colto, idealista, ma soprattutto profondamente umano.
Ha perso la figlia durante il Grande raid aereo su Tokyo, sua moglie Noriko è detenuta per motivi mai del tutto chiariti, forse politica, forse vendetta, forse entrambe.
Eppure, proprio mentre tutto sembra definitivamente perduto, un evento straordinario ribalta il corso della sua esistenza: la caduta di un aereo americano porta alla luce un ordigno mai visto prima, una bomba all’uranio.
L’Esercito imperiale gli offre un patto: decifrare la tecnologia nemica, costruire una replica, e in cambio ottenere la libertà di sua moglie. Sotto le macerie di un impero morente, Kan inizia così una discesa lenta e straziante verso l’abisso.
Il laboratorio in cui lavora è un luogo claustrofobico, dove l’etica si sgretola sotto la pressione del fanatismo militare. L’atmosfera è soffocante, il tempo scandito da sintomi fisici inquietanti, sangue dal naso, febbri misteriose, tremori, che suggeriscono quanto l’arma che sta studiando sia non solo mostruosa, ma viva, come un veleno che penetra nel corpo e nell’anima.
La radioattività diventa metafora di un male più profondo: quello della negazione dell’umanità in nome di una presunta salvezza nazionale. L’ucronia proposta dall’autore è insieme affascinante e disturbante: cosa sarebbe successo se il Giappone avesse avuto la possibilità di colpire per primo?
Daikon non cerca risposte semplici, ma pone interrogativi laceranti. È giusto sacrificare la propria coscienza per salvare una persona amata? È possibile fermare la guerra aggiungendo altra morte? Kan non è un eroe, ma un uomo comune travolto da una scelta impossibile.
La sua lotta interiore è il vero centro pulsante del romanzo, ed è raccontata con uno stile asciutto, visivo, lirico senza mai essere enfatico. Il titolo stesso, Daikon, è un simbolo amaro: il grande ravanello bianco giapponese, umile alimento quotidiano, diventa qui emblema di una normalità perduta e desiderata.
In alcune delle scene più struggenti, Kan sogna la moglie che affetta daikon in cucina, la luce che filtra dalla finestra, il rumore della pioggia. In contrasto con la freddezza metallica dell’ordigno che sta costruendo, queste immagini domestiche diventano l’ultima forma di resistenza, il ricordo di un Giappone che non vuole arrendersi né alla guerra né alla disumanizzazione.
La scrittura è cinematografica, precisa, e il ritmo della narrazione cresce in modo implacabile. L’autore riesce a coniugare la documentazione storica con l’invenzione narrativa in modo fluido e credibile, tratteggiando personaggi secondari memorabili (l’ufficiale fanatico, l’assistente malato, la figura ambigua della moglie incarcerata) e restituendo un Giappone in rovina che pulsa ancora di vita, rabbia e speranza.
Daikon è un romanzo che colpisce come un pugno nello stomaco ma lascia anche un segno nel cuore. Una riflessione profonda e coraggiosa sulla guerra e sulla scelta, sull’etica e sull’amore, sulla scienza e sull’abisso. È anche un avvertimento sottile ma fermo: la Storia non si può riscrivere, ma può, e deve, essere compresa. E solo chi la comprende può forse salvarsi.
Lo consigliamo a chi ha amato: Il peso della farfalla di Erri De Luca per il suo lirismo tragico, La strada di Cormac McCarthy per il rapporto padre/figlio e l’ambientazione apocalittica. Il paese delle nevi di Yasunari Kawabata per il suo sguardo poetico sul Giappone in declino. E ai lettori di romanzi ucronici come Il complotto contro l’America di Philip Roth.
Una lettura imprescindibile per chi cerca nella narrativa storica non solo una trama coinvolgente, ma una voce che osa interrogare la coscienza.
Anime erranti è un romanzo che si legge con il fiato sospeso e il cuore in gola. Un libro che non urla, ma sussurra. E nel suo sussurro, in quella voce tenue che attraversa oceani, guerre e confini, vibra una potenza narrativa capace di smuovere le fondamenta del lettore.
Cecile Pin firma un’opera struggente e luminosa, in grado di raccontare con precisione lirica l’esperienza dei rifugiati vietnamiti dopo la fine della guerra, ma anche, e soprattutto, il dolore universale della perdita, dello sradicamento, della ricerca di casa.
Nel 1978 la guerra è finita, ma per i fratelli Anh, Thanh e Minh la vera battaglia è appena cominciata. Il Vietnam post-bellico è un paese dilaniato, e la fuga verso Hong Kong rappresenta un atto di disperazione e speranza. L’autrice non cede mai alla retorica, e descrive il viaggio via mare, l’esperienza dei cosiddetti boat people, con una lucidità disarmante, intrecciando alla durezza dei fatti uno sguardo profondamente umano.
La perdita dei genitori e dei fratelli minori, il naufragio esistenziale che segue quello reale, diventano simboli di un’intera generazione smarrita, frammentata, costretta a reinventarsi senza una mappa.
Ma Anime erranti non è solo un romanzo sul trauma. È un romanzo sul ricordo. La memoria, qui, è un personaggio vero e proprio: si insinua tra i pensieri, prende la forma di una voce infantile che ritorna come un’eco.
In certi passaggi, la narrazione si tinge quasi di soprannaturale: la voce disincarnata del fratellino scomparso accompagna la protagonista come una guida, un memento, un ponte tra passato e presente. È una scelta narrativa potente, poetica e inquieta, che conferisce al romanzo un tono intimo e metafisico al tempo stesso.
Anh è la figura centrale della storia: sorella maggiore, madre improvvisata, colonna portante della famiglia spezzata. Il suo tentativo di ricostruire un’esistenza tra le difficoltà linguistiche, l’alienazione culturale, il lavoro in fabbrica e le piccole gioie domestiche rappresenta la forza silenziosa di chi sceglie la responsabilità nonostante tutto. Minh, invece, incarna la ribellione, la rabbia cieca contro un mondo che ha tolto tutto, mentre Thanh, il più giovane, vive sospeso tra i sogni e il dolore muto della perdita. Pin scrive con una delicatezza che sa essere spietata.
La sua lingua è sobria ma evocativa, capace di evocare odori, suoni, sguardi con poche frasi precise. Non c’è alcuna concessione al melodramma: ogni emozione è trattenuta, e proprio per questo colpisce più forte. Londra, Hong Kong, i campi profughi: ogni ambientazione è costruita con una profondità visiva e psicologica che restituisce la vertigine dello sradicamento, della continua reinvenzione di sé in terre che non ti appartengono mai del tutto. Ma Anime erranti è anche un atto politico . Un gesto di resistenza contro l’oblio storico.
Racconta ciò che spesso la narrazione occidentale ha ignorato: il destino dei profughi asiatici, la loro marginalizzazione, il dolore intergenerazionale che li accompagna. È un romanzo che pretende visibilità per chi è stato dimenticato, ma lo fa con la grazia di una narrazione profondamente empatica e rispettosa. Nessuna voce è ingigantita, nessuna scena spettacolarizzata: ciò che resta è la verità emotiva, profonda, inscalfibile.
Consigliato a chi ha amato: Chimamanda Ngozi Adichie per la capacità di fondere vita personale e trauma storico, Ocean Vuong, per lo stile poetico e la voce queer/migrante, Il fuggiasco di Viet Thanh Nguyen, per il racconto dei profughi vietnamiti, I romanzi di Jhumpa Lahiri per la cura della lingua e l’attenzione ai legami familiari.
Anime erranti è uno di quei romanzi che lasciano un’impronta sottile ma indelebile. Un canto sommesso e necessario per chi ha perso tutto, ma continua a cercare un luogo dove posare il cuore.
Una riflessione dolente e necessaria sul significato di casa, sull’identità come processo, sulla forza dei legami che resistono anche quando tutto il resto è scomparso. Un libro che non parla solo di chi fugge, ma di chi resta, e di come, a volte, le anime continuino a vagare pur di non dimenticare.
Strani disegni non è semplicemente un thriller. È un gioco mentale, un puzzle oscuro, un’esperienza sensoriale che sfrutta l’elemento visivo non come semplice decorazione, ma come vero e proprio motore narrativo.
Pubblicato da un autore misterioso che si firma con lo pseudonimo Uketsu e che compare sempre celando il volto dietro una maschera bianca, il romanzo ha conquistato il pubblico internazionale proprio grazie alla sua forma ibrida, sperimentale, disturbante. Fin dalle prime pagine, il lettore capisce di trovarsi davanti a un’opera che non segue le regole consuete del genere. Le illustrazioni non accompagnano la storia: sono la storia.
Ogni capitolo si apre con un’immagine, un disegno, un dettaglio visivo apparentemente innocuo. Ma a uno sguardo più attento, o meglio, inquieto, rivelano scene macabre, figure nascoste, dettagli minacciosi. Si ha la sensazione che l’autore stia giocando con chi legge, nascondendo gli indizi più rilevanti in bella vista.
Tre sono gli elementi attorno ai quali si muove la trama: un blog illustrato, la cui autrice scompare misteriosamente dopo aver pubblicato un ultimo disegno criptico; il disegno infantile di un bambino in apparente stato di shock, che riporta simboli e numeri che rimandano a eventi mai accaduti o forse sì; uno schizzo realizzato da una vittima di omicidio nei suoi ultimi istanti di vita, che potrebbe contenere l’identikit del suo stesso assassino.
Questi tre fili si intrecciano in una narrazione che si sviluppa su più livelli, tra cronaca, mistero, simbologia e un senso costante di disagio. L’intreccio è costruito in modo da tenere il lettore sempre un passo indietro rispetto alla verità, sfruttando la potenza ambigua delle immagini: ogni disegno va osservato, analizzato, interpretato, e spesso il dettaglio più inquietante si rivela solo dopo che hai voltato pagina, troppo tardi per tornare indietro senza angoscia. Lo stile narrativo è minimalista, quasi clinico.
I dialoghi sono frammentari, i personaggi parlano spesso più attraverso i loro gesti e le loro opere che con le parole. Uketsu costruisce un mondo che sembra simile al nostro, ma dove nulla è davvero affidabile: i ricordi sono fallaci, le percezioni distorte, le immagini ambigue.
C’è qualcosa di lynchiano nella costruzione narrativa, dove la logica si incrina in favore dell’ossessione. Uno degli aspetti più affascinanti, e disturbanti, è proprio il ruolo dello spettatore. Il lettore è chiamato a diventare detective, ma anche complice. Guardare troppo a lungo un disegno può portarti a scoprire qualcosa che preferivi non sapere. Alcuni dettagli sembrano muoversi, cambiare, assumere nuovi significati a ogni rilettura.
Il confine tra realtà e allucinazione è sottile, e il romanzo gioca sapientemente con questa ambiguità. “Strani disegni” è dunque anche una riflessione sul potere delle immagini: cosa vediamo davvero quando guardiamo? E cosa scegliamo di ignorare? In un’epoca dominata dalla sovraesposizione visiva, dove tutto è fotografato, condiviso, manipolato, questo romanzo ci costringe a fermarci.
A osservare. A dubitare. È un libro che non si limita a raccontare una storia: ci coinvolge fisicamente e psicologicamente in un esperimento narrativo.
Lo consigliamo a chi ama i romanzi psicologici e sperimentali (Casa di foglie, L’uomo illustrato, Illuminae Files ); è affascinato dall’arte come linguaggio narrativo, cerca un thriller che non dia risposte facili e lasci un senso di inquietudine persistente, è pronto a interrogarsi su cosa significhi davvero guardare
Strani disegni è un thriller visivo, un noir esistenziale, un incubo lucido in cui ogni tratto di matita può diventare una rivelazione o una condanna. Non solo ha ridefinito i canoni del crime contemporaneo, ma ha anche imposto una nuova modalità di lettura: attiva, disturbante, compulsiva.
Se cercate un romanzo che vi lasci addosso un’ombra sottile anche dopo l’ultima pagina, questo è il libro giusto. Ma attenzione: una volta visti certi disegni, è impossibile dimenticarli.
Lamento per Julia di Susan Taubes
Lamento per Julia è un romanzo inclassificabile, visionario, grottesco, geniale. Un’opera postuma riscoperta soltanto negli ultimi anni, ma già al centro di un culto letterario in crescita, grazie alla forza della sua voce, all’originalità della struttura e alla vertigine filosofica che sottende ogni pagina.
Susan Taubes, filosofa, scrittrice e compagna spirituale di figure come Susan Sontag e Hans Jonas, ci lascia un testamento narrativo che è insieme una tragedia femminile, una satira sociale e una riflessione mistica sulla soggettività. Il romanzo prende le mosse da una premessa tanto assurda quanto geniale: la storia di Julia Klopps viene raccontata da uno spirito disincarnato, una voce astratta, incaricata, non si sa da chi né perché, di seguire e riferire su questa donna straordinariamente ordinaria.
È uno spirito che osserva senza comprendere, che accompagna senza dirigere, che narra con stupore misto a un fastidio divertito. Ed è proprio questo io narrante incorporeo, ironico e impotente a trasformare la vicenda in un esercizio di sguardo: il racconto di Julia è filtrato dalla distanza e dalla frustrazione di chi non può toccare né sentire ciò che osserva.
Julia è il cuore pulsante del romanzo. Figlia di una famiglia mitteleuropea decadente, cresciuta tra balie e cameriere, con due genitori rigidi, alieni e inaffettivi, sin da piccola sembra portare dentro di sé una faglia, una crepa identitaria. Le sue fantasie infantili, essere rapita da zingari, salvata da un principe nero, sono già presagi di una soggettività scissa, divisa tra desiderio e passività, tra fuga e annientamento.
La prima esperienza sessuale, brutale e insignificante, segna il passaggio verso una femminilità disincantata e confusa. Il matrimonio con Peter Brody, ingegnere navale grigio come la sua esistenza, è l’ennesimo tentativo fallito di adattarsi alle aspettative del mondo. Ma Lamento per Julia non è un semplice romanzo di formazione (o deformazione): è una danza funebre attorno al vuoto della soggettività femminile , una risata isterica contro i ruoli imposti, una riflessione quasi gnostica sul peso del corpo, dell’amore, del linguaggio.
Il punto di rottura arriva con la sparizione: Julia, a trent’anni, svanisce. Fisicamente, ma anche simbolicamente. Non è chiaro se sia morta, fuggita, evaporata. È a partire da quel momento che il racconto si disgrega e si intensifica, diventa epitaffio e invettiva, confessione e orazione.
La scrittura di Taubes è acuminata, intermittente, vertiginosa. Procede per digressioni e scarti, mescola erotismo e filosofia, ironia e metafisica, in un flusso che ricorda le prose più audaci di Djuna Barnes, Clarice Lispector o Ingeborg Bachmann.
La corporeità è centrale, e insieme inafferrabile: Julia è osservata, sezionata, immaginata, ma mai davvero capita, né dal lettore, né dallo spirito che la segue. La sua femminilità è un paradosso: è troppo per gli uomini che la vogliono, troppo poco per quelli che la idealizzano, troppo mutevole per essere trattenuta in una sola forma.
Lamento per Julia è un libro che fa male, ma anche ridere. È attraversato da un umorismo cupo, dissacrante, talvolta offensivo. La satira della borghesia mitteleuropea è feroce, così come la rappresentazione del matrimonio, della maternità, dell’identità ebraica e femminile.
Ma nulla è dogmatico: Taubes non prende mai posizione, lascia che siano le contraddizioni a parlare. Le sue immagini sono crude, i dialoghi taglienti, le situazioni surreali. Eppure, nel cuore del romanzo, si muove una struggente malinconia: quella di chi ha cercato per tutta la vita di essere qualcosa, e non ci è mai riuscito.
Lo consigliamo a chi ama la letteratura sperimentale, esistenziale e grottesca. È affascinato dai romanzi che esplorano l’identità femminile in modo anti-convenzionale ( Le onde, Malina, Nightwood), cerca storie che riflettano sul corpo, sul linguaggio, sul dolore e sulla sparizione, è attratto dalle scrittrici dimenticate, risorte con potenza nel panorama contemporaneo.
Lamento per Julia è un testo potentissimo, dissacrante e commovente, che riesce a parlare con sconcertante attualità della frattura tra l’essere e l’apparire, tra ciò che siamo e ciò che ci si aspetta da noi. Un romanzo che non consola, ma accende domande. E che, proprio nella sua disarmonia, lascia un’impronta profonda.
In un panorama editoriale sempre più attento a riscoprire la voce e la forza delle donne del passato, Guerriere di Sara Rapino si distingue come un saggio divulgativo e appassionante che dà corpo e parola a cinque figure femminili leggendarie: Camilla, Giovanna d’Arco, Bradamante, Marfisa e Clorinda. Donne che, attraverso la letteratura, hanno attraversato i secoli come simboli di coraggio, audacia e ribellione contro i ruoli imposti, incarnando un’idea di femminilità alternativa e potentemente libera.
Fin dalle prime pagine, Rapino ci guida in un viaggio tra mito, epica e poesia cavalleresca, con uno stile accessibile e coinvolgente, capace di parlare sia al lettore appassionato di letteratura, sia a chi si accosta a queste storie per la prima volta.
Il libro non è solo una raccolta di biografie letterarie, ma un vero e proprio racconto corale della potenza del femminile quando osa impugnare la spada, salire a cavallo, vestire un’armatura e affrontare il mondo con la stessa determinazione dei suoi avversari uomini.
La prima figura a emergere è Camilla, la guerriera virgiliana, cresciuta nei boschi, devota a Diana, veloce come il vento e mortale come la vendetta. È l’emblema della forza selvaggia e indomita, ma anche del tragico destino riservato a chi sfida l’ordine degli dèi e degli uomini. In Camilla, Rapino legge la tensione tra natura e civiltà, tra eroismo e condanna.
Segue poi Giovanna d’Arco, l’eroina storica che sfonda i confini del testo letterario per entrare direttamente nella storia. Qui la narrazione si fa più intensa e drammatica: Giovanna è una contadina analfabeta che si fa comandante, una veggente che guida eserciti, una donna che osa parlare a Dio e al re. La sua vicenda, tra santità e eresia, fede e tortura, mostra come il coraggio femminile possa essere temuto e punito, ma anche eternamente ricordato.
Con Bradamante, Marfisa e Clorinda, entriamo nel cuore della letteratura cavalleresca italiana. Le due sorelle d’arme, nate dalla penna di Ariosto e Tasso, sono personaggi centrali nei rispettivi poemi, capaci di affrontare cavalieri, draghi e nemici con la stessa perizia e audacia degli uomini.
Bradamante, paladina innamorata ma mai sottomessa, combatte per amore e per onore, mentre Marfisa, più selvaggia e spietata, incarna un femminile più ruvido e violento, che si nutre di vendetta e potere. Clorinda, infine, è la guerriera saracena che combatte con valore, si converte in punto di morte e diventa una figura tragica e commovente, simbolo del dialogo possibile (e impossibile) tra culture e religioni.
Ciò che colpisce in Guerriere è la capacità dell’autrice di tenere insieme la narrazione avvincente e l’analisi culturale, mostrando quanto questi personaggi non siano solo figure “d’altri tempi”, ma portatrici di significati profondamente attuali. In un mondo che ancora fatica a riconoscere pienamente l’autonomia delle donne, rileggere queste storie, dove l’azione, la parola, il desiderio e la morte sono tutti gesti politici, diventa un atto di consapevolezza e di resistenza.
Sara Rapino non cade mai nell’eccesso di celebrazione o nell’anacronismo ideologico. Le sue guerriere non sono supereroine moderne travestite da amazzoni antiche, ma creature complesse, figlie del loro tempo eppure capaci di superarlo.
Ogni capitolo è introdotto da un breve contesto letterario e storico, e si conclude con riflessioni capaci di stimolare domande sul presente: cosa significa oggi essere una guerriera? Come si combatte senza armi? Dove si annidano le battaglie contemporanee del femminile?
Guerriere è un libro da leggere, da regalare, da portare in classe o in biblioteca. È un testo che parla di potere, ma anche di fragilità; di gloria, ma anche di esclusione. Un omaggio a figure femminili spesso lette con superficialità o relegate a ruoli minori nella grande narrazione epica, e che invece, come mostra Rapino, hanno lasciato un’impronta duratura nell’immaginario collettivo. Un’opera che insegna come la letteratura possa ancora essere un campo di battaglia, dove le voci dimenticate possono tornare a impugnare la propria storia.
La linea dell’orizzonte di Christos Vakalopoulos
La linea dell’orizzonte è un romanzo breve ma stratificato, un gioiello nascosto della letteratura greca contemporanea, scritto da una delle figure più affascinanti e irregolari della cultura ellenica: Christos Vakalopoulos.
Critico cinematografico, speaker radiofonico e autore dal tono inconfondibile, Vakalopoulos ci lascia in queste pagine un’opera che è al tempo stesso letteraria e visiva, filosofica e politica, malinconica e pulsante di vita.
La protagonista, Rea Franzì è una giovane donna che rompe con la propria quotidianità, e con il matrimonio, per intraprendere un viaggio esistenziale verso l’isola di Patmos, un luogo sospeso, metafisico, che nella narrazione diventa qualcosa di più di una semplice destinazione geografica.
Patmos è l’“isola dove finisce la musica”: una soglia, un punto liminale tra la società e l’utopia, tra l’alienazione e la possibilità di una nuova armonia interiore.
La trama, volutamente scarna e frammentata, si costruisce attraverso immagini, riflessioni, atmosfere che sembrano rubate a un film neorealista o a un sogno lucido. Vakalopoulos non racconta in modo tradizionale: La linea dell’orizzonte è più vicina a una sceneggiatura lirica che a un romanzo canonico.
Ogni paragrafo è un’inquadratura, ogni pensiero una dissolvenza tra l’intimo e il collettivo. La prosa è folgorante, scattante, piena di illuminazioni improvvise e brevi sintagmi che restano impressi nella mente.
Il tono del romanzo è pasoliniano: Rea potrebbe essere una figura sorella di quei personaggi solitari e ribelli che affollano il cinema e la letteratura di Pier Paolo Pasolini. È una donna che cerca la propria voce in un mondo che tende a normalizzare, annullare, assorbire ogni singolarità.
Nelle sue riflessioni, e nelle immagini che accompagnano il suo viaggio, troviamo una critica feroce e poetica al consumismo, all’omologazione culturale, alla perdita di senso nelle società postmoderne. In questo senso, Patmos diventa un altare sacro e profano della ricerca individuale.
I turisti sono “la gente bionda” , simbolo di una modernità svuotata e globalizzata, mentre gli “uomini di altre epoche” evocano un passato (o forse un futuro) in cui il valore umano non era misurato in termini di produttività e visibilità.
Vakalopoulos usa questa contrapposizione non per moralizzare, ma per restituire al lettore una domanda urgente: dove stiamo andando? E soprattutto: abbiamo ancora il coraggio di cercare la linea dell’orizzonte?
Il romanzo è ricco di riferimenti cinefili, musicali, filosofici, ma non appesantisce mai il testo: tutto si amalgama in una narrazione che è insieme colta e pop, come promesso dalla quarta di copertina. Non a caso, La linea dell’orizzonte ha conquistato lettori di età ed esperienze molto diverse: giovani in cerca di senso, adulti nostalgici di un tempo meno uniforme, intellettuali e appassionati di cultura alternativa.
La bellezza del libro risiede anche nel suo linguaggio poetico, capace di restituire lo spaesamento, il silenzio, la bellezza ruvida delle isole greche, ma anche di aprire varchi nel pensiero, suggerendo che ogni orizzonte visibile è solo l’anticamera di un orizzonte interiore da raggiungere.
La linea dell’orizzonte è un libro piccolo ma potentissimo, un manifesto lirico contro la banalità del male quotidiano e la disgregazione dell’identità. È un viaggio nelle pieghe più intime della contemporaneità, un’ode all’individuo che rifiuta di essere inghiottito dalla massa e decide, come Rea, di cercare ancora un senso, un luogo, una melodia. Anche se la musica, apparentemente, è finita.
Uomini nella notte di Ernst Weiss
Ci sono romanzi che arrivano in Italia tardi, ma con la potenza di chi non ha perso un grammo della loro attualità. Uomini nella notte, pubblicato originariamente nel 1925 e tradotto per la prima volta in italiano solo ora, è uno di questi. Scritto da Ernst
Weiss in occasione del 75° anniversario della morte di Honoré de Balzac, questo romanzo ibrido e sorprendente si muove tra realtà storica, suggestione letteraria e riflessione esistenziale, facendo rivivere al lettore una vicenda realmente accaduta con uno sguardo moderno e inquieto.
Il punto di partenza è un caso giudiziario che ha realmente sconvolto la Francia dell’Ottocento: l’omicidio della moglie del notaio Sébastien Peytel, vecchio compagno di scuola di Balzac. Accusato del crimine, Peytel finisce al centro di un processo clamoroso che vede lo stesso Balzac prendere le sue difese, convinto della sua innocenza. Nonostante gli sforzi dello scrittore, che in queste pagine diventa personaggio in carne e ossa, mosso da ideali, affetti e ostinazione. l’esito sarà tragico: Peytel viene condannato e ghigliottinato il 28 ottobre 1839.
Ma Uomini nella notte è molto più di una semplice cronaca giudiziaria: è un romanzo storico con venature noir , è un’esplorazione psicologica della colpa e dell’ossessione, è un omaggio letterario e una riflessione sul destino, l’amicizia e la verità.
Ernst Weiss scrive con una prosa colta, stratificata e spesso sperimentale, in cui i fatti reali si intrecciano con flussi di coscienza, scarti temporali, visioni e digressioni quasi proustiane.
La narrazione è avvolgente e sofisticata, capace di restituire l’atmosfera densa e drammatica della Francia post-napoleonica, mentre al tempo stesso interroga il lettore su questioni profonde: che cos’è la giustizia?
Può un uomo essere condannato anche quando nessuna verità è certa? Fino a dove può spingersi un’amicizia? Al centro di tutto c’è Balzac, figura titanica ma qui ritratta con grande umanità. Non è l’autore già entrato nel mito, ma un uomo attraversato dal dubbio, capace di mettere in gioco il proprio nome per salvare qualcuno in cui crede.
In questa scelta si riflette anche una delle ossessioni principali del romanzo: il rapporto tra vita e letteratura, tra ciò che si scrive e ciò che si vive. Balzac non è solo testimone della vicenda, ma anche il simbolo di un’epoca in cui la scrittura poteva ancora cercare di cambiare il corso degli eventi.
Il titolo, Uomini nella notte, non è casuale: suggerisce una condizione esistenziale condivisa da tutti i protagonisti. Weiss tratteggia un’umanità smarrita, avvolta nelle ombre del dubbio e del sospetto, dove la verità è sempre sfuggente e la giustizia appare come una farsa macabra.
In questa notte morale, l’unica luce possibile sembra quella della compassione, della fedeltà, dell’ostinazione di chi non rinuncia alla complessità dell’umano.
Uomini nella notte è un romanzo che merita di essere scoperto, non solo per la curiosità storica che lo anima, ma per la sua straordinaria attualità narrativa e il suo spessore letterario. Ernst Weiss costruisce un’opera che è insieme thriller psicologico, romanzo d’idee e tributo letterario, capace di commuovere e far riflettere. È un libro che si legge lentamente, assaporandone le sfumature, le tensioni sotterranee, la malinconia e la bellezza. Un piccolo capolavoro finalmente restituito al pubblico italiano.
