Salvador Dalí, tra arte e mito è la mostra ospitata presso il Museo Storico della Fanteria dell’Esercito Italiano a Roma. Curata da Vincenzo Sanfo, l’esposizione, visitabile fino al 27 luglio 2025, presenta un’impressionante raccolta di 80 opere, provenienti da collezioni private italiane e francesi. Questa retrospettiva offre un’immersione completa nell’immaginario di uno degli artisti più emblematici del surrealismo, esplorando i temi cardine della sua produzione: il tempo, il desiderio, la religione e il sogno.
La mostra Salvador Dalí, tra arte e mito offre un’esperienza unica per immergersi nel mondo surreale e complesso di uno degli artisti più iconici del XX secolo. Ogni opera selezionata rappresenta una finestra sull’universo di Dalí, fatto di sogni, ossessioni e genialità. Visitare questa esposizione significa non solo scoprire le sfumature di un grande maestro, ma anche riflettere sulla condizione umana attraverso il filtro del surrealismo. Un appuntamento imperdibile per gli amanti dell’arte e della filosofia visiva.
Salvador Dalí, tra arte e mito: 5 opere da vedere assolutamente
La persistenza della memoria (1931)
Probabilmente una delle opere più iconiche di Dalí, La persistenza della memoria è diventata il simbolo universale del surrealismo. Il dipinto raffigura un paesaggio desolato dominato da orologi molli che sembrano sciogliersi sotto il peso del tempo. Questo motivo, ispirato al concetto di relatività di Einstein, simboleggia la fragilità del tempo e la natura instabile della realtà.
Gli elementi del quadro, come l’albero rinsecchito e il volto deformato che sembra emergere dal suolo, rappresentano l’inconscio umano e l’incapacità di controllare il tempo. L’atmosfera onirica dell’opera, enfatizzata dai colori tenui e dall’assenza di movimento, cattura lo spettatore, invitandolo a riflettere sul significato del tempo nella vita quotidiana.
Il volto della guerra (1940)
Il volto della guerra, è stata realizzata da Dalì durante il suo esilio negli Stati Uniti, in piena Seconda Guerra Mondiale. In questo dipinto, un volto umano terrificante emerge da un paesaggio arido, con orbite oculari e bocca riempite da ulteriori teschi, che si ripetono in una struttura infinita.
L’opera è un’allegoria visiva della ciclicità della violenza e della devastazione causata dalla guerra. I serpenti che si intrecciano attorno al volto simboleggiano la sofferenza e il tradimento, mentre l’atmosfera oscura riflette l’angoscia collettiva del periodo. Questo quadro è un grido di denuncia contro la brutalità della guerra, un tema che Dalí, nonostante il suo surrealismo onirico, affronta con cruda realtà.
Sogno causato dal volo di un’ape intorno a una melagrana un attimo prima del risveglio (1944)
Questa complessa opera rappresenta uno dei massimi esempi del surrealismo onirico di Dalí. Il dipinto mostra una donna nuda che fluttua sopra un paesaggio marino, circondata da elementi surreali come una melagrana, tigri ruggenti e un fucile che emerge da una baionetta.
L’opera nasce come illustrazione di un sogno e incarna la teoria freudiana secondo cui gli eventi esterni possono influenzare i sogni. La melagrana, simbolo di fertilità, si apre come un portale, mentre la baionetta sospesa minaccia di svegliare la donna addormentata. Con i suoi dettagli intricati e la capacità di evocare emozioni profonde, il dipinto trasforma il sogno in una dimensione tangibile.
Cristo di San Giovanni della Croce (1951)
Considerata una delle opere religiose più famose di Dalí, questa rappresentazione della crocifissione è unica nel suo genere. Cristo è raffigurato in una prospettiva dall’alto, con il corpo sospeso su un paesaggio terrestre che rappresenta la baia di Port Lligat, luogo caro all’artista.
Dalí abbandona i dettagli cruenti tradizionalmente associati alla crocifissione, concentrandosi invece sull’aspetto spirituale e universale del sacrificio di Cristo. La visione dall’alto sembra avvicinare lo spettatore al divino, rendendo l’opera un’esplorazione non solo della fede ma anche della connessione tra l’uomo e l’infinito.
Metamorfosi di Narciso (1937)
Quest’opera, ispirata al mito greco di Narciso, rappresenta la trasformazione del giovane innamorato di sé stesso in un fiore. Dalí utilizza un gioco visivo geniale, con una mano che tiene un uovo dal quale sboccia un narciso, creando una simmetria perfetta con la figura di Narciso accovacciato.
Il dipinto riflette il tema della trasformazione e della dualità, con elementi che si specchiano e si evolvono in modi inaspettati. La composizione è un esempio della tecnica paranoico-critica di Dalí, che incoraggia lo spettatore a interpretare l’opera in modo soggettivo.
